MUSICIENS de l'édition 2019

LE PACIFIC QUARTET - jeunes solistes de l'université de Californie du Sud

  • Roberta Yee & Maggie Zeng, violons
  • Kevin Hsu ,alto
  • Stella Cho, violoncelle

 Lucinda CARVER et Xénia MALIAREVITCH, pianos

 Vadim TCHIJIK, Marc DESJARDIN violons

 Karine LETHIEC, alto

Hermine HORIOT,François SALQUE, violoncelles

le "CARAVAN QUARTET" : Samuel STROUK, Robert ENSINA ,guitares 

                                              Mathias LEVY , violon

                                              Olivier LORANG, contrebasse

                                              participation de Peter SEPSIS, guitare et François                                                            SALQUE, violoncelle.


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BIOGRAPHIES :

 

 

Diplômé de l'Université de Yale et du Conservatoire de Paris, FRANÇOIS SALQUE est, très jeune, primé dans les concours internationaux (Genève, Tchaïkovsky, Munich, Rostropovitch, Rose...).  « La sensibilité et la noblesse de son jeu » alliées à « un charisme et une virtuosité exceptionnelle » (Pierre Boulez) lui permet de remporter pas moins de dix premiers prix et autant de Prix spéciaux.

Ses concerts l'ont déjà mené dans plus de soixante-dix pays et ses disques en soliste et en musique de chambre en compagnie de Paul Meyer, Emmanuel Pahud, Eric Le Sage ou Alexandre Tharaud ont été salués par la presse (Diapasons d'Or de l'année, Chocs du Monde de la Musique, 10 de Répertoire, Prix de l'académie Charles Cros, Victoires de la Musique, Palme d'Or de la BBC…).

François Salque signe également sept disques remarqués avec le quatuor Ysaÿe dont il a été pendant cinq ans le violoncelliste. Son engagement pour la musique de notre temps lui a valu de nombreuses dédicaces de compositeurs contemporains, notamment de Thierry Escaich, Karol Beffa, Nicolas Bacri, J

ean-François Zygel, Jean-Frédéric Neuburger, Krystof Maratka ou Bruno Mantovani.

Il est également à l'origine de nombreuses créations, mêlant inspirations contemporaines et musiques traditionnelles et enregistre deux albums particulièrement originaux en duo avec l’accordéoniste de jazz Vincent Peirani.

Sa profondeur musicale, sa technique et son éclectisme en ont fait une personnalité incontournable du monde de la musique.

François Salque enseigne aujourd’hui le violoncelle à la Haute École de musique de Lausanne et la musique de chambre au Conservatoire de Paris

 

« Un souffle extraordinaire » Concerto.net

« Fantaisie et liberté. Son glorieux et maîtrise totale… Un Salque aux phrasés vibrants et intenses. » Diapason

« François Salque est impérial dans tout ce qu'il approche » Diapasontemps avec une grande intelligence » (Henry Dutilleux)

« Un interprète particulièrement sensible qui interprète la musique de notre

« François Salque est exceptionnel dans toutes ses interprétations » Sud-Ouest

« François Salque montra une technique supérieure, une maîtrise et une qualité de son alliées au génie de l'interprétation qui en fait l'un des plus indiscutables musiciens actuels.»  Jean-Guillaume Lebrun, Magazine En Concert (critique d'un concert au Théâtre du Châtelet)

 

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XÉNIA MALIAREVITCH découvre le piano à Saint-Petersbourg. De retour en France, après ses études au Conservatoire National de Région de Nancy couronnées par des médailles d'or de piano et de musique de chambre, elle est admise au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe de Gérard Frémy et dans celle de Christian Ivaldi et Ami Flammer. Après avoir obtenu ses premiers prix de piano et de musique de chambre, elle se perfectionne auprès d'Ana Chumachenko, Joseph Silverstein, Jean-Jacques Kantorow et Pierre-Laurent Aimard.

Chambriste reconnue, elle remporte de nombreuses récompenses en formation sonate : elle est lauréate au concours de Guérande, puis aux concours internationaux de musique de chambre de Pinerolo en Italie, de Katherinholm en Suède ou Pierre Lantier à Paris.

Xénia Maliarevitch a donné de nombreux récitals en France, en Italie, en Suède,en Russie, en Allemagne. Elle s'est produite avec François Salque, Alexis Galpérine, Lise Berthaud, Patrick Messina....

En septembre 2014, elle sort son premier album (Rachmaninov/Kodaly) avec la violoncelliste Clara Zaoui chez Lyrinx. 

Elle est également directrice artistique des Musicales de Redon. 

Passionnée par l'enseignement, elle est actuellement professeur au Conservatoire de Poissy.

 

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Extrêmement douée et polyvalente, LUCINDA CARVER poursuit une carrière de premier plan en tant que pianiste, claveciniste et chef d’orchestre. En tant que Membre de Fulbright en Autriche, elle a donné beaucoup de concerts dans toute l’Europe. Elle a joué comme soliste avec l’Orchestre philharmonique Los Angeles, l’Orchestre de chambre de Los Angeles, Paci cation Symphony, Musica Angelica, Capella Salisburgensis, Augusta Symphony, l’Orchestre de chambre de Santa Barbara et Manhattan Philarmonic, et a fréquemment eu le double rôle de soliste et chef d’orchestre dans des concertos pour piano de

Mozart avec l’Orchestre Mozart de Los Angeles. Lucinda s’est produite sur scène en tant que soliste ainsi que dans des récitals de musique de chambre au Festival Bach de Carmel, au Festival Mozart de San Luis Obispo, au Festival de Musique Prince George, et sous l’égide de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles et de l’Orchestre de chambre de Los Angeles. Ses interprétations ont été diffusées sur les ondes de National Public Radio, WNYC, WGBH à travers les États-Unis et localement sur KUSC et K-Mozart.

Elle a figuré comme chef d’orchestre invitée de l’Orchestre symphonique national, de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, de l’Orchestre philharmonique de Brooklyn, de l’Orchestre de chambre de Los Angeles, de la Paci c Symphony, de Richmond Symphony et du Hong Kong Philarmonic et a mené des productions d’opéra avec l’Opéra de New York, l’Opéra du Minnesota, l’Opéra lyrique du Kansas et l’Opéra de la Virginie. Les professeurs de Mme Carver comprennent des pianistes légendaires tels Murray Perahia, Gary Graffman, Hans Leygraf et John Perry. Carver est professeur de piano, de clavecin, de chef d’orchestration et vice-doyenne de la Division Of Classical Performance and Composition à USC (University Of Southern California) Thornton School Of Music et Directrice artistique du Festival de musique de chambre de Centrum Port Townsend, Washington.

 

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Directrice artistique et altiste de l’Ensemble Calliopée, KARINE LETHIEC est aujourd’hui reconnue pour son exigence et son ouverture artistique. Son travail depuis quinze ans lui donne une place de choix parmi les musiciens recherchés, notamment pour son expertise en matière de musique de chambre.

Artiste éclectique, cultivée, sensible et passionnée, elle trace avec brio le chemin de l’Ensemble Calliopée, à l’égal des meilleures phalanges européennes, en proposant une programmation et des choix basés sur la curiosité, la découverte et le besoin de donner un sens profond à l’acte intime de la création. L’Ensemble Calliopée est en résidence au Musée de la Grande Guerre des Pays de Meaux pour une programmation Musique et Histoire. Diplômée des Conservatoires supérieurs européens de Lyon, Paris, Genève et Berne, elle est lauréate du Concours International Tertis et de la Fondation Banque Populaire Natexis. Elle est titulaire du CA et enseigne l’alto aux conservatoires de la Ville de Paris (8e) ; elle est également conseiller aux études au conservatoire du 8e.

Elle aime la transmission sous toutes ses formes et s’engage dans différents projets culturels et pédagogiques : nombreuses émissions radiophoniques sur France Musique et France Inter, partenaire du projet pédagogique La main à la pâte du Prix Nobel feu Georges Charpak, partenaire du projet Musique et Science en collaboration avec l’Institut d’études scienti ques de Cargèse (Corse), auteur du  lm H136 sur la redécouverte d’une partition de Martinu, membre du Mouvement Janacek en France. Jury de nombreux concours musicaux et littéraires, elle assure la direction artistique de différentes manifestations et festivals (dont le Festival Amadeus à Genève de 2004 à 2009).

Avec son ami l’astrophysicien Hubert Reeves, elle conçoit de nombreux spectacles associant Cosmos et Musique, notamment Mozart et les Étoiles. Elle a enregistré l’intégrale des quintettes de Mozart avec le quatuor Stradivari (Dynamic). Très intéressée également par les nouveaux répertoires, Karine Lethiec défend la création musicale en commandant, programmant et interprétant des œuvres nouvelles (plus d’une trentaine de créations). Elle a enregistré le concerto de Kryštof Maratka Astrophonia avec l’Orchestre philharmonique de Radio-France (France Musique) et le Talich Chamber Orchestra (Arion). Son jeu généreux, ses connaissances et l’étendue du répertoire pour toutes les formations écrites avec son instrument en font une artiste très sollicitée par diverses formations de musique de chambre ; ses voyages musicaux l’ont menée au Concertgebouw d’Amsterdam, au Festival de Ravinia à Chicago, au Théâtre des Champs-Elysées, aux Philharmonies de Irkousk et Vladivostok, au Festival d’Athènes au temple d’Hérode Atticus, au Festival de Tempelhof de Berlin, à l’Ermitage de St Petersbourg, à la Philharmonie tchèque à Prague...

 

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 LE QUATUOR USC "PACIFIC QUARTET"

PACIFIC QUARTET : quatuor formé de 4 très talentueux musiciens, étudiants à la célèbre Thornton school of Music de l’Université de Californie du Sud,  Ces musiciens ont été spécialement choisis pour former un quatuor dédié aux Rencontres franco-américaines de musique de chambre 2019.

Roberta YEE, violon

Shanshan Maggie ZENG, violon

Kevin HSU, alto

Stella Ye-Lin CHO, violoncelle

Ce quatuor, basé à Los Angeles, a été créé en 2018 à la Thornton School of Music de l’université de Californie du sud (USC).

 

Le Pacific Quartet, composé de musiciens tous diplômés de la Thornton School, du conservatoire de musique de San Francisco ou du conservatoire de Nouvelle-Angleterre, a récemment remporté le prix Christine Marie Ofiesh. Sous la direction de la violoniste Lina Bahan, les membres du Pacific Quartet comptent de nombreux prix à leur actif et ils se sont produits à de multiples reprises aussi bien aux Etats-Unis, qu’en Europe ou en Asie. Ils ont joué et travaillé avec des musiciens célèbres d’aujourd’hui et d’hier tels qu’Alfred Brendel, Frans Helmerson, Antoine Tamestit, Midori Goto, Augustin Dumay, Zakhar Bron, Donald et Vivian Weilerstein et Ralph Kirshbaum. Le Pacific Quartet a donné son premier concert en mars 2019 lors des “Sundays Live” (dimanches en direct) au Musée des beaux-Arts de Los Angeles (LACMA). En ce moment, le quatuor est le premier ensemble de musique de l’université, diplômé, avec concerts prévus à Los Angeles et en France.

 

Roberta YEE née à Calgary, Canada, débuta ses études de violon à l’âge de 3 ans. Elle obtint sa Licence en musique, section violon, avec mention très bien à la Thornton School of music d’USC sous la direction du professeur Martin Chalifour. Elle poursuit actuellement ses études de musique en Master à l’USC avec le professeur Bing Wang. Roberta a participé au programme de formation “Castleman Quartet Programme”, aux master-classes du Centre pour les Arts de Banff ainsi qu’à l’Institut International Heifetz de musique. Elle a récemment joué comme premier violon sous la direction de Valéry Gergiev lors du Festival de musique du Pacifique à Sapporo et à Tokyo. Elle est également violon solo et second violon principal de l’Orchestre symphonique de la Thornton School d’USC. Elle fait partie de l’orchestre de musique de chambre « Delirium Musicum » à Los Angeles et joue comme violoniste suppléante de l’Orchestre philarmonique de Calgary.

 

 Shanshan ZENG est née à Chengdu en Chine, et commença le violon dès l’âge de 4 ans sous l’égide de sa grande tante, la Professeure Wenyuan Chen, au conservatoire de musique de Sichuan, Chine. Elle vint aux Etats-Unis à l’automne 2007, ayant obtenu une bourse d’études à l’école San Domenico. Elle obtint sa Licence en musique, section violon, au conservatoire de musique de San Francisco avec les professeurs Wei He et Ian Swensen. Elle étudia sous la direction de Lucy Chapman au conservatoire de musique de Nouvelle-Angleterre où elle obtint son Master. Durant ses études à Boston, elle faisait partie de l’Orchestre philarmonique de Boston, de l’Orchestre symphonique de l’Atlantique et de l’Orchestre symphonique de Phoenix. Elle a joué lors du Festival du Centre de musique de Tanglewood et comme premier violon de l’Orchestre de TMC (Tanglewood) sous la direction de Kurt Masur. Elle a été choisie comme violoniste pour jouer lors du Festival de musique de Scheswig-Holstein où l’orchestre s’est produit dans des salles renommées telles que l’Elbphilarmonie et la Konzerthaus de Berlin sous la direction du Maître Christophe Eischenbach. L’été dernier, elle a participé à l’Académie de la direction d’orchestre d’Aspen, une composante du Festival de musique et des écoles de musique d’Aspen. En mai 2019, elle obtiendra son Certificat d’Etudes Supérieures de la Thornton School of Music d’USC où elle a étudié avec le Professeur Bing Wang.

 

 Originaire de Corée du Sud et élevée en Grande-Bretagne, la violoncelliste Stella CHO a fait ses débuts en tant que soliste au Royal Albert Hall de Londres à l’âge de 15 ans, jouant devant une salle comble. Elle a également donné des récitals en Corée du Sud, en Espagne, aux Pays-Bas, en Pologne, en Allemagne, en Croatie et aux Etats-Unis. Elle a aussi souvent joué à la radio et à la télévision. Stella a participé à des master-classes avec de nombreux artistes renommés tels que Frans Helmerson, Joel Krosnick, Tsuyoshi Tsutsumi, Gary Hoffman et Timothy Eddy. Parmi les nombreuses récompenses obtenues, on peut citer : le titre de Jeune musicien du Pays de Galles Texaco, l’obtention d’une bourse MBF Geoffrey Shaw et le prix Hattori Award. Plus récemment, Stella a été sélectionnée pour faire partie des « New Masters on Tour » (tournée des nouveaux maîtres musiciens) des sessions musicales de Hollande et elle a donné des récitals en soliste en Europe, dont au Royal Concertgebouw. Passionnée de musique de chambre, elle a fait partie de plusieurs ensembles et, comme membre de l’Accord Quintet, elle reçut la mention d’honneur lors de la finale du concours « Coleman Chamber of Music » en 2012. Membre fondateur du quatuor « Huntington Quartet », elle a également remporté avec celui-ci le concours « Honors Ensemble » du conservatoire de Nouvelle-Angleterre (NEC) et elle s’est beaucoup produite en Nouvelle-Angleterre, y compris un début très réussi au Jordan Hall de Boston. Elle a participé à de nombreux festivals tels que le Yellow Barn Chamber Music Festival, La Jolla SummerFest, Casals Festival, le Perlman Music Program Chamber Workshop and les Rencontres Franco-Amédricaines de musique de chambre. Elle a également collaboré avec d’éminents artistes tels Ralph Kirshbaum, Jaime Laredo, Sharon Robinson, Joseph Kalichstein, le quatuor Borromeo et Roger Tapping. Stella a obtenu sa Licence et son Master en musique avec mention à la Thornton School of Music sous l’égide de Ralph Kirshbaum. Elle a terminé ses études supérieures au conservatoire de Nouvelle-Angleterre avec Laurence Lesser pour professeur. Actuellement elle prépare un doctorat en musique à USC.

 

Kevin HSU est un altiste de Saratoga, Californie. Il a joué dans les salles de concerts les plus renommées au monde et a collaboré avec des musiciens tels que Midori Goto, Augustin Dumay et Alfred Brendel. De nombreux orchestres à travers les continents ont invité M. Kevin Hsu à jouer comme soliste, de Krzyzöwa-music en Pologne au Centre des Arts de Banff au Canada. Il a également étudié avec Martha Katz au conservatoire de Nouvelle-Angleterre et avec Michael Tree et Brian Che-Yen à la Thornton School of Music d’USC, où il a respectivement obtenu sa Licence et son Master en musique.

 

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Né dans une famille de musiciens, Marc Desjardins étudie le violon au CRR de Boulogne-Billancourt auprès de Christophe Poiget et Maryvonne Le Dizès. Il entre au CNSMDP dans la classe de Régis Pasquier. Soucieux de diversifier son approche de la musique, il bénéficie des conseils de Michael Frischenschlager à l’Universität für Musik und darstellende Kunst à Vienne dans le cadre d’un échange Erasmus. De retour à Paris, il obtient son Master du CNSMDP dans la classe d’Alexis Galperine en juin 2015. Il obtient aussi sa licence de musique de chambre dans la classe de Marc Coppey et travaille avec Hatto Beyerle lors de l’Académie Internationale de Quatuor à cordes de Bordeaux et de l’European Chamber Music Academy.

Il est ainsi membre de l’Orchestre Français des Jeunes de 2008 à 2010 puis participe aux tournées du Gustav Malher Jugendorchester sous la baguette de Philippe Jordan, Sir Colin Davis, Daniele Gatti et David Afkham dans les plus grandes salles européennes jusqu’en 2013. Après deux saisons en tant qu’artiste en résidence à l’Académie de l’Opéra National de Paris, il est reçu à l’Orchestre symphonique de la Monnaie à Bruxelles en 2017. Il intègrera l’Orchestre de l’Opéra National de Paris en septembre 2019.

Il est invité au Japon et aux Etats-Unis pour des concerts de musique de chambre. En France, il est invité en tant qu’artiste Jeune Talent au festival des Arcs depuis 2014. Il prend part à différents projets alliant musique et théâtre, enregistrant ainsi la musique de scène de Phèdre à la Comédie Française ou partageant la scène avec les comédiens Catherine Hubeau et Tommaso Simioni dans la pièce « Train de pluie ».

 

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VADIM TCHIJIK

Né en 1975, Vadim Tchijik commence à étudier le violon dès l’âge de six ans et donne son premier concert dès l’âge de huit ans. Il termine ses études avec la mention « Excellent » à l’Ecole Centrale Spéciale de Musique du Conservatoire Tchaïkovski de Moscou pour se perfectionner ensuite en France, en Allemagne ou encore aux Etats-Unis. Vadim Tchijik est lauréat de plusieurs prix internationaux dont les prestigieux concours N.Paganini à Gênes, P.I Tchaikovski à Moscou. Il est également Lauréat de plusieurs fondations comme Natexis ou encore L.Boulanger. Vadim est également nommé Lauréat Juventus par le Conseil de l’Europe. Il mène une carrière internationale de soliste en se produisant avec les Orchestres Symphoniques de Moscou, des Pays-Bas ou encore l’Orchestre d’Etat de Mexico. Vadim Tchijik donne également de nombreux concerts en Europe, aux Etats-Unis et en Asie.Côté enseignement, il est actuellement professeur titulaire de violon au CRR de Toulouse et donne des Master-Class dans le monde entier.

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HERMINE HORIOT

Née en 1986, Hermine Horiot débute le violoncelle avec Laurent Lagarde au CNR deDijon. Diplômée du Cnsm de Paris en 2011 dans la classe de Philippe Muller, ellea bénéficié des conseils de Steven Isserlis, François Salque, Torleif Thedéen, Leonid Gorokhov, Marc Coppey ou encore Jordi Savall. Reconnue pour ses interprétations «d’une très grande plénitude, offrant à l’auditeur une maîtrise parfaite de son instrument, associée à une sensibilité réelle.» (MichelJakubowicz- On Mag). Elle est lauréate du Festival Juventus, de la FondationBanque Populaire et de la Fondation Jean-Luc Lagardère.Particulièrement animée par la musique de chambre elle se produit sur les scènes françaises et internationales (Théâtre des Champs Élysées, des Bouffes du Nord et de l’Athénée à Paris, ConservatoireTchaïkovski de Moscou, Musikverein de Vienne, Villa Médicis à Rome...) aux côtés de partenaires tels que Ferenc Vizi,François Salque, Cyprien Katsaris, Laurent Korcia, Alena Baeva, Adrien Boisseau, Gaspard Dehaene...Elle enregistre en 2015 son premier disque, «Romance Oubliée», aux côtés du pianiste Ferenc Vizi, pour le label 1001 Notes.Ce disque bénéficie d’un beau succès permettant aux deux artistes de participer à plusieurs émissions radiophoniques,notamment avec Laure Mézan (Radio-Classique) Arièle Butaux, et Gaëlle Le Gallic (France-Musique).Son intérêt pour la musique d’aujourd’hui l’amène à collaborer notamment avec les compositeurs Jean-Baptiste Robin,Thierry Escaich, et Nicklas Schmidt, compositeur danois à qui elle passe commande pour son prochain disque solo Boréales,à paraître à l’automne 2018.Elle joue un violoncelle fait pour elle en 2014 par le luthier suédois Peter Westerlund.21

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Compositeur, guitariste, directeur musical et directeurartistique, Samuel Strouk est un musicien protéiforme. Il est lauréat du prix F.A.J.E.de la Mid Atlantic Arts Foundation (New York) pour son projet « Babel Melodya dialogue of Langages»(2016).Diplômé en guitare et en musique de chambredu Conservatoire Supérieur de Paris - CNR et du Conservatoire de Montpellier, sonparcours professionnel le propulse très jeune dans l’étude des musiques traditionnelleset improvisées. Nommé aux Victoires de la Musique Cubaine « Cubadisco » en 2007pour l’album Carhabana, il a participé à de nombreux projets interculturels en Inde, auNépal, au Burkina Faso et à Cuba. Compositeur autodidacte il reçoit les commandes d’institutions prestigieuses, d’orchestressymphoniques impliqués dans la création de répertoire nouveau et de festivals de renoms : Radio France « La questionsans réponse, hommage à L. Bernstein » avec l’Orchestre National de France et Lambert Wilson; l’Université ColumbiaCollege Chicago en partenariat avec l’Institut Français « Chicago Orchestral Works » pour orchestre à cordes, big band etélectronique; l’Orchestre Symphonique de Bretagne « Egalité » concerto pour guitare et orchestre; l’Orchestre de ChambreNouvelle Aquitaine « Le Rêve de Maya » double concerto pour violoncelle et accordéon et orchestre; Festival les RencontresFranco-Américaines de Musique de Chambre « mouvement » quatuor à cordes et guitare; Festival Les Mélusicales « PrièreCircacienne » pour dix violoncelles et violoncelle solo et « La saison éternelle » pour violon solo, violoncelle solo et orchestreà cordes; Festival des Musiques Dels Monts « Ziv Concerto » pour clarinette et orchestre.Son écriture dite inclusive porte un éclairage non conventionnel sur l’héritage des langages musicaux. Ses compositionssont jouées dans le monde entier. Au cours de l’année 2019 son double concerto pour violoncelle et accordéon sera crééen Finlande par l’Orchestre de Chambre d’Helsinki à la Philharmonie - Camerata, en Russie dans le cadre du FestivalInternational de Violoncelles de Moscou Viva Cello et repris en France au prestigieux Festival de la Vézère. Sa musique estinterprétée par des musiciens de renommée internationale : Svetlin Roussev, François Salque, Jean-François Heisser, VincentPeirani, Florent Pujuila, Aurélienne Brauner, Marianne Piketty, Adrien Moignard, Grant Llewellyn, Alexander Abreu, RolandoLuna, Rodney Barreto.Il était dernièrement directeur musical et arrangeur du retentissant projet « Trintignant Mille Piazzolla » (France Culture/Arte / Sony Music) qui a obtenu le Grand Prix International du Disque et du DVD de l’Académie Charles Cros dans lacatégorie Parole et Musique. En tant que chef d’orchestre il a dirigé la création de son concerto pour clarinette et dirigera auprintemps 2019 la création finlandaise de son double concerto pour violoncelle accordéon et orchestre.Suite à la parution de son premier album, intitulé « Silent Walk » (Fo Feo - Caroline, Universal Music France) il est sélectionné par la SACEM pour intégrer le programme d’accompagnement de carrière. Son deuxième album intitulé « LocoCello » paraît au printemps 2019. En tant que guitariste soliste il a créé à l’Opéra de Rennes son concerto pour guitare, a étésoliste invité de la philharmonie de Sofia et du Festival de Musique Classique de Carthagène en Colombie. Impliqué dansla diffusion des répertoires innovants, il est aujourd’hui directeur artistique de deux festivals de musique en Ile-de-France.

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MATHIAS LÉVY : Né en 1982 non loin de Paris, à Clichy sous-bois dans une famille de mélomanes, Mathias Lévy commence ses études de violon et de piano à l’âge de 4 ans. Il reçoit à 17 ans un premier prix de violon de musique de chambre et de solfège au conservatoire du Raincy. Parallèlement il apprend la guitare, le saxophone, la batterie et le chant en autodidacte et forme ses premiers groupes de rock, de reggae, de hip hop, de chansons. À partir de 2000 il se consacre principalement au jazz qu’il décide de jouer au violon, son instrument de prédilection. Il étudiera successivement avec Denis Colin (conservatoire de musique de Montreuil), Lionel Belmondo (IACP), Didier Lockwood (CMDL). À partir de 2002 il se produit dans le monde entier avec son groupe de jazz acoustique Caravan Quartet avec lequel il enregistre 3 albums.

Lauréat Jazz à Sète 2006, il est nominé en 2007 aux Victoires de la musique cubaine.Il enregistre en 2008 un disque avec Vincent Peirani à l’accordéon et obtient en 2011 le Grand Prix Stéphane Grappelli. En 2013 il sort l’album Playtime sur le label JMS en quartet avec Sébastien Giniaux, Matyas Szandaï, Jérémie Pontier et Emmanuel Bex.

Musicien polyvalent il participe à de nombreux projets dans les styles les plus variés avec, entre autres, Emmanuel Bex, Grégory Privat, Gilles Naturel, Vincent Peirani, Adrien Moignard, Sébastien Giniaux, The Do, De La Soul, Catherine Ringer, Zaz, Anne Sila, Marc Lavoine, François Salques… Il joue et compose pour le théâtre (Alain Sachs, Michel Didim, Nora Krief, Valère Novarina) et pour le cinéma (L’Empire des loups, Liberté de Tony Gatlif, À ciel ouvert de Mariana Otero). Il tourne actuellement avec son projet « Hommage à Grappelli » et travaille entre autres à un projet sur le compositeur Béla Bartók et un nouvel album de compositions.

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OLIVIER LORANG : Olivier Lorang commence l’étude dès l’âge de 5 ans par la clarinette. Il suivra les cours classiques

au conservatoire jusqu’à l’obtention du prix Supérieur en 2001. Parallèlement il prend des cours de jazz à la basse électrique à partir de 13 ans. Son goût pour cette musique l’amènera rapidement à étudier la contrebasse en autodidacte. Auteur-compositeur, il travaille avec différentes formations de chansons françaises, en qualité de chanteur,

contrebassiste et clarinettiste. Il entre dans la classe de jazz de Malo Valois en 2001.

 

ROBIN ENSINA : Commence la guitare à l’âge de 12 ans, en autodidacte, et joue dans des formations rock, blues, funk et rap. Il intègre le C.I.M. en 1989, puis le conservatoire du 9e à Paris en 2011 dans lequel il suit les cours de Bernard Maury. L’oeuvre de Django l’influence inévitablement et il s’efforce de suivre ses tracesavec CARAVAN QUARTET, groupe auquel il appartient depuis 4 ans.Il entreprend régulièrement de créer des compositions instrumentales etparticipe à la création de musiques de dessins animés. Il va maintenant à la rencontre des musiques du monde et traditionnelles afin de perpétuer cet éternel brassage culturel.

 

PETER SEPSIS

Peter Sepsis est un bassiste et compositeur originaire de Los Angeles, en Californie.Il est le cofondateur de TriTone Asylum ; la musique de cet ensemble fait écho auxmusiques du monde de Los Angeles. Les couleurs et les textures de la musique afro-cubaine, antillaise, funk, R & B et jazz sont au coeur du groupe. Le résultat final est un délicieux mélange de saveurs offert par un collectif de musiciens expérimentés et qui appelle Los Angeles, leur ”chez-soi”.

 

CHRISTIAN BOUSTANI

Né à Beyrouth (Liban), Christian Boustani développe, depuis une quinzaine d’années, une réflexion sur le rapport entre le réel et l’imaginaire qui demeure une constante dans son travail. Cette approche lui a permis de développer un style

personnel, une écriture métaphorique, reposant sur les nouvelles technologies. Ses réalisations qui sont, pour la plupart, diffusées sur les chaînes de télévision (Canal+, la Cinquième, BBC, RTBF, RTL, BRT, RTP, TV5,…), ont remporté de

nombreux prix dans des festivals internationaux. Lauréat de la Bourse Villa Médicis Hors les Murs pour l’année 1993, Christian Boustani alterne projets personnels et oeuvres de commande, à l’instar de A Viagem (Le Voyage), film et avant-spectacle réalisés pour le Pavillon du Portugal à l’occasion de l’Exposition Mondiale de 1998 à Lisbonne ou plus récemment Alésia, le rêve d’un roi nu pour le MuséoParc Alésia ou ses collaborations régulières avec le Familistère de Guise avec, notamment : Utopia, Georges Rousse au Familistère.

Par ailleurs, Christian Boustani enseigne la réalisation à l’Université de Paris I (Sorbonne) et à l’EPSAA (Ville de Paris).

Il a également donné des cycles de conférences sur son travail à Boston (Universités de MIT et Harvard en 2000), à Pise

 

(en 2003) et à Pordenone en Italie ainsi qu’à Cracovie (en 2004).

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Le luthier n'est pas en résidence mais toujours prêt à intervenir.

 

Interview de Pierre BURGOS

 

 Comment  et/ou pourquoi êtes-vous devenu luthier :

C’est ayant plus ou moins 20 ans que m’est venue l’idée d’apprendre un métier manuel alliant le bois et si possible la musique (je suis issu d’une famille de musiciens dont un père violoncelliste. J’ai étudié le cello un certain temps au conservatoire).

Je suis allé faire un stage chez Etienne VATELOT, parti 3 ans pour apprendre la lutherie en Angleterre à Newark, le tout ponctué de stages chez différents luthiers, puis me suis installé au Danemark en fabrication.

J’ai déménagé à NANTES, puis à La Turballe en 2001 pour fabriquer, glissant doucement vers la prestation de service qui prend maintenant la majeure partie de mon activité. En arrière plan je suis fabricant et y reviendrai sûrement.

 

Passion pour la lutherie : joies et difficultés de ce métier :

La sculpture qui compose la majeure partie du métier en création

L’inventivité pour trouver des solutions en restauration

Rendre la vie plus facile aux musiciens lors des réglages

S’occuper d’une clientèle

Etre entrepreneur, une forme de liberté

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La liberté a un coût

Le faire-savoir

Ne pas trouver de solutions pour améliorer un instrument

Ne pas être content de soi

 

Evolution depuis vos débuts dans ce métier

-          Forme : une plus grande liberté

-          Matériaux : une meilleure connaissance du bois, de sa résistance, élasticité, dureté, sonorité. On peut donc jouer sur les tensions. On développe aussi un savoir concernant les cordes et accessoires.

-          Procédés : passer du vernis à l’huile au vernis à l’alcool (au tampon) ; quelques machines en plus.

-          Outils : standard ou fabriqués par vous ? : les 2

-          J’ai aussi mis au point une défonceuse/perceuse sur plateau pour poncer les tasseaux avant collage des éclisses, préparer une « plateforme » avant incrustation des filets et marquer l’épaisseur des table et fond lors de la mise aux épaisseurs.

 

Combien de temps pour faire un violon ?

+- 150 heures avec les réglages

 

Quels sont vos modèles de prédilection ?

On est toujours en recherche !

Pour l’alto je trouve que la forme issue des Gasparo da Salo (fin XVIe) est très efficace, simple, presque naïve par rapport aux plus tardifs.

Pour le cello j’ai eu de très bons résultats avec Pietro Guarneri de Venise (plan à copier au musée de la Musique) et dans les derniers avec l’immense « Servais » de 1701 de Stradivarius, réduit.

 

Avez-vous eu à réparer des instruments qui ont un passé «  historique »?

Oui mais sans m’être penché sur le passé car je me sens surtout ancré dans le présent concernant la tâche à accomplir. Il y a, bien-sûr, une grande émotion à tourner autour.

 

 

Pour parler d’excellence en matière de violon les non-initiés parlent toujours d’un « Stradivarius » qui semble être la référence absolue, pourquoi ?

Concernant ce luthier j’envisage surtout ces différents points :

Un grand atelier,

La relation maître/disciple

Le business, la notoriété, les prix

De grands musiciens les jouent.

 

Architecture très aboutie

Très bon vernis

Conservation à travers les époques due à sa « marque »

Donc la création d’un « mythe » Stradivarius.

 

# les « petits » luthiers de l’époque qui peuvent être quasiment aussi côtés aujourd’hui

# les tests de sonorité derrière rideaux effectués dès la fin du XIXe montrent une égalité avec les modernes, voire même une préférence pour le son des modernes. 

 

 

 

 

 

 

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